PRESENCIAS CRÍTICAS DE LAS TRANSVERSALIDADES CONTEMPORÁNEAS LATINOAMERICANAS Y DEL CARIBE EN EL X FESTIVAL INTERNACIONAL DE SANTO DOMINGO, 2018.
El teatro actual es el reflejo del
mundo contemporáneo y el desarrollo de la décima edición del Festival Internacional
de Santo Domingo, 2018 es el escenario caribeño de las expresiones creadoras y
críticas de Las transversalidades Latinoamericanas y del Caribe.
Reconocer las transversalidades
expuestas en esta fiesta teatral permite observar la prevalencia y
características de expresiones estéticas conectadas con las problemáticas del
mundo social, político, cultural, los valores estéticos y éticos del presente
con una perspectiva amplia y la vez concreta del lenguaje teatral de los espectáculos desarrollados ante el
público en el período 6 al 16 de diciembre del presente año.
Al analizar las expresiones teatrales presentes en la programación de
este evento tan importante en el contexto Latinoamericano y dominicano se
observan las siguientes transversalidades temáticas y conceptuales que
procedemos a explicar, partiendo de idea de Bermejo, 2005 sobre las mismas:”La
concepción pluralista de la totalidad, desde la transversalidad debe ser
coherentemente abierta e inconclusa, no puede ser un concepto concreto y
definido, sino una “imagen” que corresponda a una situación real de
desplazamiento de imbrigación entre complejos racionales :
Una de las características
fundamentales de las Artes contemporáneas es la Hibridez, termino de muchas interpretaciones, de la cual es muy comprensible la siguiente:(Miranda,
2009):“Un acto de comunicación transcultural donde la
cultura tiende a moverse hacia el Otro y la Otredad en afán de integrarlo,
comprenderlo y recodificarlo. Es decir, se permealizan los márgenes entre lo local
y lo foráneo, la hibridez se realiza en lugares de cruces. En términos teatrales es el movimiento que
realiza la puesta en escena para dejarse contagiar con cualquier elemento
diferente al teatro en estado puro”.
Presenciamos esta interacción híbrida en la
mayoría de las representaciones, integración, mediaciones de lenguajes,
expresiones alternativas, recodificaciones, y sobre todo, el afán de reconocer lo
distinto (Lo Otro) del contexto ajeno, (La Otredad).
Por lo que podría nominar las siguientes transversalidades
del FITE 2018:
Diálogo con lo clásico desde lo propio,
con una perspectiva Latinoamericana y Caribeña:
Diversos
espectáculos mostraron la visión propia, a partir del texto clásico, personajes,
dramaturgia procedente de Europa, adaptándolas o reinterpretando de acuerdo a las
características culturales identitarias.
La obra MENDOZA, bajo la dirección de
Juan Carrillo, nos presenta una
adaptación de la tragedia Macbeth “a la mexicana”, el abordaje al clásico Shakesperiano,
no pretende interpretar el contexto histórico de la sociedad inglesa del 1606, sino
que toma la esencia y los hechos
dramáticos y los integra orgánicamente al contexto histórico, religioso y
cultural mexicano, haciendo una lectura contemporánea hasta salpicar el espectáculo con la crueldad del expresionismo de Tarantino, en el
uso excesivo de la sangre y violencia que conlleva la lucha por el poder y la avaricia, en un
ambiente mítico, máscaras, rancheras y
su propia marca de cerveza, un personaje declara que “ la desgracia de un país no está en la
bruja, sino en la rabia, en la desigualdad”.
Algo cercano ocurre con la obra YAGO, YO NO SOY EL QUE SOY , de la Compañía
Nacional de Teatro de República Dominicana, dirigida por Fausto Rojas, el
director realiza una versión libre de Otelo, el
moro de Venecia, adapta la obra a
una gallera provinciana, en la ambientación de merengue y bachata, conservando
ciertos elementos del vestuario, y características esenciales de los
personajes, a excepción de Yago, quien es caracterizado como el típico Tíguere
dominicano con toda su astucia, grandilocuencia, viveza, (representación de
Wilson Ureña) adjudicándole un mayor protagonismo en la trama, al punto de
cambiar el desenlace del homicida de Desdémona, en vez de femenicida original en la dramaturgia de Shakespeare, donde Otelo cegado por los celos
termina con la vida de su amada. Otorgándole así mayor importancia a la intriga
y manipulación del retorcido personaje, actuante de importancia en los círculos
del poder político que rodean todos los gobernantes en nuestros singulares
países caribeños. Con esta intervención el director construye su identidad desde el contexto cultural propio partiendo de
un dialogo ajeno.
Otra recodificación cultural la realiza el Teatro
Guloya con la versión
de LA VIDA ES SUEÑO, del
dramaturgo español Calderón de la Barca, sembrada en el contexto cultural
nativo, impregnada de un modo de ver la vida en una expresión
peculiar “a lo dominicano”, con la filosofía de celebrar la vida, a pesar
de la tristezas, luchas, desengaños. El director Claudio Rivera con el deliberado propósito de anclar con el
barroco cultural que vivimos en el Caribe, toma elementos de nuestra
identidad y manifestaciones culturales, personajes cotidianos, carnavalescos y
nos convida a “aplatanarnos” durante hora y media, no para disfrutar de la
exuberancia y rebuscamiento del teatro barroco europeo, sino para
participar desde una mirada tropical, alegre y actual de la esencia de
Calderón en un ambiente festivo, carnavalesco y burlesco acorde con la
idiosincrasia nuestra. ¡Un Calderón de la Barca felizmente
aplatanao!
Un clásico del teatro existencialista ESPERANDO A GODOT, de Samuel Beckett,
dirigido por Manuel Chapuseaux, se mira desde el Otro y la Otredad en el
personaje de “Gogo”, interpretado por el destacado actor dominicano Pepe
Sierra, este actor bajo la propuesta del director cuestiona la sinrazón de la
espera, caracterizando un indigente dominicano
que hace aterrizar los presupuestos filosóficos del autor, conservando
las esencias del texto el director también construye un dialogo propio.
Ernesto López en LOS SUEÑOS DE LORCA, parte de la
vida y obra, y expresa su imaginación creadora a partir del Títere, poesía e imágenes estableciendo un diálogo emocional interior con el poeta, dramaturgo y prosista
español para encontrar el duende que
habita en él.
Sin temor equivocarnos, esta es una de las transversalidades que actualmente despierta mucho interés entre teatristas, el reconocimiento de lo propio a partir de la
cultura dramática eurocentrista, como lo hemos analizado.
La voz de la mujer contra la violencia género en le FITE 2018:
La violencia de género es una de las problemáticas
más sentidas de la sociedad actual y en
el FITE 2018, diversos montajes alzaron su voz
frente a la intimidación que procede de una tradición patriarcal, que suscita
la inequidad en las relaciones hombre-mujer´.
PA´L
GRITADERO, en versión libre y dirección de Hamlet Bodden. Cuatro mujeres se encuentran en una parada de autobús para
ir al Gritadero…. Esta obra denuncia la situación asfixiante que vive la mujer
con las responsabilidades y roles familiares y sociales que restringen la libertad de ser ellas mismas, luchan por su
presencia en el mundo contemporáneo, y el mundo impenetrable de los hombres, caracterizan
el drama femenino con mucha intensidad .Guarda cierta similitud
con la espera de los hombres en
obra Godot y la película Mujeres al
Borde de un ataque de nervios, destacando la
limpieza de las acciones y exquisitas caracterizaciones de las actrices
Yanela Hernández, Luvil González Wendy Alba y Patricia Muñoz, que buscan ser
escuchadas.
Otras presencias femeninas se encuentran en
BANCO DE PARQUE, bajo la dirección y actuación de María Castillo, quien representa el personaje de idiosincrasia femenina
que justifica su existencia en la casa de un varón que mitigue la
soledad. Un personaje que habla en sus miradas, silencios y gritos. El banco, ha sido punto de encuentro de tres
maestros destacados del ámbito teatral : María Castillo y Manuel Chapuseaux
quienes han experimentado una catarsis actoral como resultado de la formación y
años de experiencia en las tablas que les lleva a una aproximación
consciente al método de Stanislawki, en su versión más acabada de las
acciones físicas; las emociones surgen como resultado de lo que hace el personaje
tras el objetivo, sin preocuparse por ellas: “La pequeña verdad de las acciones
físicas pone en movimiento a la gran verdad de los pensamientos, las emociones
y las experiencias”. La obra es una cátedra de este método.
LAS PROSTITUTAS OS
PERECERÁN EN EL REINO DE LOS CIELOS, bajo
la dirección de Germana Quintana y protagonizada por la destacada actriz Lidia
Ariza, esta obra representa la violencia
social y psicológica que ejerce la sociedad contra la mujer y su
objetualización en el mundo de la prostitución.
UN PEDAZO DE MUÑECA
DE LILLI JOLIE, dramaturgia y dirección Licelotte
Nín, un montaje que visibiliza violencia la vida de la mujer dominicana en un contexto
migratorio, la autora, idea unos personajes únicos de su imaginación creadora, una
especie de simbiosis de obreras y muñecas, es un espectáculo
atractivo, ingenioso y crítico de la
explotación y violencia de género en la clase obrera. Esta pieza se lleva a
cabo en un ambiente transcultural a
través de la música, los cantos y todo en ambiente escenográfico, a la vez que
conecta con una dominicanidad actual, en
el lenguaje llano que utiliza, con parlamentos cortos, repetitivos y rítmicos que nos cuentan de la victima de la tragedia
con un dominicanismo significativo : “La
hija del Pollero”, entre la rutina y mecanización del trabajo.
Impacto de
las tecnologías en el FITE, 2018
Los nuevos medios
han impactado la civilización actual, y el teatro se ha conectado con las
posibilidades de interacción y la transmedialidad que estas proporcionan a la
escena contemporánea.
EL FITE 2018,
recibió con fuerza este impacto a través de los espectáculos:
MALEZA, dirigido por Muriel Miranda y Hugo Cuvarrubias , basado en el texto de
Karen Buer, este espectáculo es un emblemático en la concepciones del mutaciones escénicas realizado por el mismo
director de la novedosa pieza quien concibe, (Miranda, 2009): “Lenguaje
Digital: La mediamorfosis apunta
directamente al uso consciente del lenguaje digital y del desarrollo de sus
posibilidades, tanto conceptuales y objetuales, siendo principalmente agente de
cambio de la escena teatral”. En el montaje encontramos una inserción de forma
y contenido en la pieza, al mezclar de forma simultánea técnica cinematográfica
de animación Stop Motion y Foley, este espectáculo realiza simbiosis única, en
la escena de la escalera, la ficción lo lleva a lo real y lo real a la ficción,
un verdadero cruce entre lo digital y lo humano, superposición de imágenes y
voces demuestra una excelente sincronía en la historia de la Vida de Ana. Le
concedo el valor paradigmático de ser un buen experimento en este diálogo
hibrido con las tecnologías digitales.
Otra mediación
digital la expone el espectáculo HOMINUM, PERDÓN POR SER, de la Compañía colombiana
Teatro con la dirección de Leonardo Echeeverri, el espectáculo muestra una estética
contemporánea, en la mezcla de lenguajes, testimonios de la vida real, la danza
, el vídeo, la fotografía en una narrativa, que busca sobre todo, ahondar en la
razón y conciencia de público entorno a las experiencias de violencia y la
sanación del perdón como un resultado hacia la paz.
VOLVER A MADRYN, bajo
la dirección de Rodrigo Cuesta, de la compañía argentina El Cuento Teatro, aquí
se muestra como sigue teniendo valor el
uso tradicional de lo técnico en el
teatro, esta obra otorga a la luces un gran protagonismo expresivo, narrativo y
rítmico en el espectáculo. Las historias de los personajes se cuentan,
entrecruzan con acento local y contemporáneo, con interpretaciones versátiles,
cargadas de energías con una atmósfera de la década de los noventa, que
perdería magia dramática sin el uso de las luces.
TESTIMONIO DEL MÁS
ACÁ .COM, escrita, actuada y dirigida por Rafael Morla, esta obra tiene como gran
virtud que integra el elemento
tecnológico al contenido esencial del texto dramático y el montaje, la cámara digital se convierte
en el personaje que diáloga con el protagonista, un joven de nuestra época, con reminiscencias
e indigestiones ideológicas, que perturban su vida vacía, invisible y que sólo
cobra sentido a través de los likes . Es un teatro eminente contemporáneo desde
la temática hasta los elementos del mundo digital que lo constituye. La
dramaturgia de Morla, no tiene no tiene miedo al panfleto, grita y vocifera sus
ideas, ni a los prejuicios, ni morales, ni político, presenta una lógica individualista
estremecedora de la postmodernidad.
Teatrista dominicano Homenajeado
Merece destacar la participación del homenajeado
del festival, el laureado dramaturgo,
director y docente del Teatro
dominicano, Haffe Serulle, quien tiene en su haber una extensa trayectoria de
marca distintiva en su propuesta estética , La Acrobacia Guerrera,
conformando una filosofía de su quehacer
teatral, hoy nos presenta la pieza ¡JEJEJE! CUANDO LA RISA ES POESÍA,
espectáculo que oscila entre lo poético y lo grotesco, rompe los esquemas
dramáticos del propio autor, cuando nos
convida al vacío argumental , abren las puertas al público pero la parte
fundamental del elenco , los actores no llegan, por tanto la obra no acontece,
un absurdo que pone a reflexionar sobre lo imprescindible que son los actores
para el teatro, y la sinrazón de las relaciones laborales y humanas en el
mismo, sin ellos nada en el drama tiene sentido…Más, lo circense, las
impactantes imágenes, los
desplazamientos actorales, la circularidad
del espacio y las marcadas expresividades y partiduras corporales y vocales
hacen del espectáculo momentos con impactantes imágenes poéticas del discurso
escénico del absurdo. Haffe una vez más, ¡rompe!
La danza, la plástica y la música, contaminando el festival del teatro.
DEFILLÓ dirigido por Marianela Boan, es el espectáculo
de cierre del Festival, escogido con la intención de unir en la interacción lenguajes contemporáneos la danza,
la pintura, el teatro y la música con un designio identitario a partir de la vida y obra del pintor Fernando Peña Defilló. En esta pieza el lienzo se hace danza
y la danza habita el lienzo en una transformación viva entre el espacio visual del cuadro y los
movimientos danzantes, vestuarios, luces, elementos escenográficos en una mutación ascendente, que logran escenas que desbordan la sensibilidad del
espectador, olores, colores y sabores (el cuadro vivo de la naranja de Daymé
del Toro) hasta llegar a lo sublime de
los cuerpos desnudos en imagen de libertad.
Aunque otros espectáculos se presentaron aquí, en esta
fiesta del teatro Latinoamericano del Caribe, que no pudimos presenciar y
comentar, se concluye al afirmar que el festival fue escenario de la vida y las transversalidades
en las expresiones teatrales de nuestro mundo
Caribeño y latinoamericano, ahora se cierra el telón, el público vuelve a casa… y mientras
llega el próximo FITE 2021, continuemos
brindando a la existencia del ciudadano
dominicano y del mundo, la razón teatral: catártica, emocional, imaginativa,
aleccionadora y crítica con representaciones a diario, en el campo y en ciudad.
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